Andy Warhol, el pintor que creó una fábrica de pop art

Sofia Sandoval - ssandoval@lmneuquen.com.ar

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Creador de una barrera difusa entre el arte y la publicidad, Andy Warhol es recordado en todo el mundo como uno de los artistas más influyentes del pop art. Aunque su estilo extravagante y disruptivo lo convirtió en un ícono entre las clases más altas de las décadas de los 60, 70 y 80, el pintor hizo un gran aporte para cambiar el paradigma del arte, tras llevar los objetos más mundanos del consumo moderno a las galerías más elitistas de Estados Unidos.

Esta semana, Andy hubiera cumplido 91 años. El 6 de agosto de 1928, Andrew Warhola llegaba al mundo en el seno de una familia eslovaca y recién emigrada a los Estados Unidos, que le brindó los genes del cuerpo esbelto de 1,80 metros de altura que alcanzaría después. Pero su padre, trabajador de las minas de carbón, no necesariamente le contagió la gran sensibilidad con la que el artista observaría el mundo moderno sólo unas décadas más tarde.

En su Pittsburgh natal, en el estado de Pennsilvanya, y en la Carnegie Mellon University, Warhol decidió estudiar arte comercial. Luego, se trasladó a la gran ciudad, Nueva York, para trabajar como publicista. Su talento se hizo evidente pocos años después, cuando se convirtió en el ilustrador de varias marcas y selló el lazo que ataría a toda su obra, que parece unir de forma difusa las expresiones artísticas con el consumismo y la vida comercial.

A principios de los 50, sus primeros dibujos a tinta, que habían sido encargados por una marca de zapatos, llegaron a las primeras galerías de Nueva York. Pronto, encontró un nicho laboral de la mano del desarrollo del vinilo, ya que la firma RCA lo contrató como ilustrador freelance para algunas de sus portadas.

Los años 60 serían la verdadera explosión del pop art que caracterizó a Warhol. Al ver un gran lienzo pintado por el artista Roy Lichtenstein, encontró el nexo entre el arte pictórico y la publicidad, por lo que decidió recurrir a los objetos más icónicos del consumo masivo para exponerlos en las galerías de arte.

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A esa década responden sus series sobre las latas de sopa Campbell, un alimento enlatado de unos pocos dólares que se convirtió en un ícono del arte gracias a la reproducción del pintor, que usaba distintas técnicas de grabado, ilustración y serigrafía para imitar la reproducción masiva de este tipo de artículos de consumo. Las botellas de Coca Cola, los billetes de 100 dólares y los rostros de figuras de reconocimiento masivo, como Marilyn Monroe, fueron otros de los motivos de sus exposiciones.

Quizás sin sospecharlo, Warhol logró encumbrar los objetos de la cultura popular, que fueron rechazados primero por las elites que eran asiduas de las galerías, quienes terminaron por destacar las cualidades del artista de Pittsburgh.

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“Lo que es genial de este país es que Estados Unidos ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele, ver un anuncio de Coca-Cola y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina”, señalaba Warhol entonces, que comprendía que era el consumo masivo la verdadera fuente de democratización entre las clases.

Luego de llegar a los principales museos, montó “The supermarket”, una exposición que mostraba al arte como un objeto de consumo que se podía encontrar en góndolas al igual que otros artículos de uso cotidiano. Allí, su dibujo de la lata de sopa se valuó en 1500 dólares, cuando la verdadera lata costaba apenas unos pocos dólares.

Por esos años, fundó The Factory, un taller artístico que concebía al arte como una producción en serie y que tomaba a distintos ayudantes que hacían su aporte a los trabajos que exponía el reconocido artista, mediante técnicas de serigrafía y estampado. Este método de producción le valió numerosas críticas de otros colegas que no consideraban arte a su trabajo porque no era realmente artesanal.

Warhol se convirtió también en cineasta y propuso exponer pequeños cortometrajes en los museos, como cuadros en movimiento, en una actividad muy visionaria para la época. El pintor era un verdadero admirador de Hollywood y la cultura plástica de las celebridades del cine.

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En 1970 y con su fama en ascenso, Warhol se convirtió en una figura extravagante entre las socialités del Nueva York de esa década. Solía frecuentar los clubes más exclusivos de la gran ciudad, como Serendipia y Studio 54, y se dejaba ver con estrellas como Mick Jagger, Diana Ross, John Lennon o Liza Minelli.

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Por esos años, realizó el célebre retrato de Mao Tse Tung y fundó la revista Interview, una publicación que aún se edita en Nueva York y que fijó un verdadero culto a las celebridades, el arte moderno y el consumo cultural. Distintas empresas de automóviles lo contrataron para que decorara sus coches de carrera, por lo que fundó el car art y dejó ver sus osados diseños en las carreras más exclusivas, como la de Le Mans, en Francia.

Durante los años 80, Warhol tomó nuevas influencias de la mano del neoexpresionismo y de la transvanguardia europea, pero recibió duras críticas por su culto al consumismo y el aspecto comercial del arte, que rompían con el paradigma que colocaba al arte en una especie de lugar sacro al que el dinero no podía tocar. Por el contrario, el pintor se rodeaba de numerosas celebridades y ricos empresarios, que pagaban cuantiosas sumas para posar para él.

Entre ellos se cuenta a la argentina Amalia Lacroze de Fortabat, que posó para Warhol en 1980. La familia, que es una de las más adineradas del país, aún conserva el lienzo del artista.

Sus últimos retratos no respondieron a estos pedidos. En 1986, Warhol pintó sus últimas obras: un retrato de Lenin y otro de Mao Tse Tung. El 22 de febrero de 1987, el pintor murió en Nueva York por las complicaciones de una operación de vesícula, y su cuerpo fue sepultado con una corbata estampada y la tradicional peluca plateada que caracterizó su imagen.

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